chipsi

я бы навеное круг на потолке убрала(он смотрится сам по себе) может его так же обыграть как и стену,использовать не круг,а прямоугольную форму

Готический стиль Во 2-й половине XII века во Франции появился новый архитектурный стиль - готика, распространившийся во всей Западной Европе и продержавшийся в некоторых странах вплоть до XVI века. Термин «готический» появился в XVI веке в Италии в эпоху Возрождения как негативный, характеризующий эту архитектуру как «варварскую» (от племени готов), в противовес разумной и ясной античной классике. Для готической архитектуры наиболее значительными постройками были огромные городские соборы - базилики в виде латинского креста с очень высоким центральным нефом, нешироко раскинутыми рукавами креста, венцом капелл, с кольцевым обходом вокруг хора. Характерными элементами готики являются: стрельчатая арка, нервюрный свод, пучки тонких колонн, предельно облегченная за счет распределения нагрузки на каркас здания стена, перенесение тяжести с помощью «летящих арок», аркбутанов, на внешние опоры - контрфорсы; огромные окна, застекленные цветными витражами. На западном фасаде и над средокрестием возводились башни. Перспективные порталы венчались треугольными вимпергами. На всех трех фасадах среди скульптурного и резного декора помещались круглые витражные окна - розы. Основное впечатление от готического собора - устремленность вверх, легкость, ажурность, обилие света (преображенного цветными витражами), резной каменной декорации и скульптуры. Готика - это первый опыт каркасной архитектуры. Нервюры - ребра сводов, пучки колонн, аркбутаны и контрфорсы - основные составляющие несущего каркаса. Готический собор представлял собой синтез всех видов искусств, стилистически объединяя архитектуру, скульптуру, живопись и различные изделия декоративно-прикладного искусства (раки, реликварии, ларцы, пюпитры и т.п.). В готическом стиле появилась стрельчатая арка, образованная как бы из двух дуг, пересекающихся под углом. Нервюры и арки опираются в готическом соборе не на массивные столбы, а на пучки тонких колонок, окружающих невидимую глазу сердцевину. Шедевром готики считается собор Нотр-Дам в Реймсе. Строительство этого собора началось в 1211 г., спустя год после того, как в результате пожара рухнул старый собор, и продолжалось строительство до 1481 г.(реймсский собор строили несколько поколений зодчих). Его строителям удалось создать величественный памятник, объединенный общим замыслом и рождающий единый архитектурный образ, вдохновенную «симфонию в камне». «Лицо» собора - вход в храм. Пять глубоких перспективных порталов, сильно вынесенных вперед, захватывают в водоворот пульсирующего движения наверх внешнее пространство перед собором. Вертикальная устремленность порталов подчеркивается стрельчатыми очертаниями многократно повторенных арок и острыми углами охватывающих их треугольников вимпергов. В результате создается впечатление, что на фасаде нет вовсе стены. Она вся прорезана колонами, нишами, окнами, вимпергами, башенками-пинаклями, галереями, создающими необыкновенно богатую игру света и тени. Фигуры людей, животных, растений, всевозможных органических форм, населяющие совершенно недоступные для человеческого глаза места, лишают каменные стены веса, наполняют собор особой жизнью, дыханием, звуками. Готика в дизайне интерьеров Стилизация. Вытянутые формы сужающиеся кверху, витражи, узкие башенки, ажур, скульптуры. Цвет - характерны черный, белый. Материалы - металл, камень. На полу - камень или крупная мозаика. Окна, стены, дверные проемы завешаны тканями. Гобелены, ковры. На стенах фресковая роспись или бшивка из дерева.

шапочка прикольная

Всегда пожалуйста))) рада помочь

voverrr наверное,стоит чайник поменять))))

Интерьер в стиле модерн(Журнал Мир коттеджей, №3, 2004г) Устав от монохромных и холодных интерьеров минимализма и хай-тека, архитекторы и дизайнеры все чаще стали обращаться к прошлому, черпая вдохновение в классике. Полностью воссоздают или цитируют такие архитектурные стили как ампир, барокко, классицизм, модерн, арт-деко. В последнее время все больше люди отдают предпочтение неповторимому и изящному стилю модерн, когда дело касается выбора стилистики будущего интерьера. Этому стилю более ста лет, но и сегодня интерес к нему огромен, ибо духом модерна наполнен мир, созданный самыми выдающимися художниками «элегантного стиля»: художественное стекло от Тиффани, ювелирные изделия и стекло от Лалика, плакаты и афиши Тулуз-Лотрека и Мухи. Модерн начал развиваться в последнее десятилетие 19 века. В Германии его называли югендстиль, в Австрии – сецессион, во Франции – арт-нуво. Модерн стал архитектурным стилем «серебряного века». В отличие от архитектурно помпезных и официозных дворцовых интерьеров, это стиль, пропагандирующий индивидуальность и демократичность. Основным побудительным мотивом всех новшеств стал поиск неповторимо индивидуальных решений и в композиции интерьера, и в формах утвари, и в мебели и даже в орнаменте. Модерн это не изобилующие золотом и лепниной гостиные, а поэтически-декадентские салоны с приглушенным мерцанием серебра и перламутрового блеска. Русский модерн ассоциируется с такими выдающимися именами как архитектор Шехтель, Кекушев, Линдваль. Для модерна характерны живописность, рисованность, пластичность форм, текучие «растительные» линии, которые очерчивают переплеты окон, порталы, стулья, светильники, повторяются в рисунках обоев. Интерьеры модерна были превращены в настоящие сады и подводные гроты. «Назад к природе» – девиз стиля модерн, который взят на вооружение современными дизайнерами. Отголоски этого исторического стиля легко узнаваемы. Это плавные, легко перетекающие друг в друга ассиметричные линии, повторяющие изящество и естественность растительных форм. Природа стала одним из основных источников вдохновения дизайнеров, создающих интерьеры в стиле модерн. В самом развитии растений есть что-то завораживающее: набухание почек, появление побегов, сплетение стеблей, геометрия стволов, сложный рисунок кроны. Ассоциативное восприятие форм и силуэтов – один из признаков модерна. Внешнее пространство вторгается во внутрь дома, и наоборот, ландшафт оформляется как продолжение интерьера. Сегодня стиль модерн воцарился главным образом в архитектуре загородных вилл и дач. Здесь, в приватной зоне заказчика воображение архитектора приобретает материальную опору и свободу творчества. Формы окон, дверей и лестниц могут быть разнообразными едва ли не до бесконечности. Дом рассматривается, как единое произведение искусства, где нельзя пренебречь ни одной деталью, включая планировку комнат, систему отопления, люстры, мебель и даже дверные ручки. Декоративное убранство интерьеров может достигать невероятной изощренности. Огромное значение придается в нем выразительности текучих ритмов, цвету и фактурам облицовок, кованого чугуна, оконных и дверных витражей. Витражи модерна знамениты не менее витражей готических соборов. Основной темой для готического витража служила религия, поклонению богу, в эпоху модерна вдохновение черпали у природы, поэтому большая часть витражей это не что иное, как преклонение перед природными формами и линиями. Особенно интересным может быть оформление оконных проемов с уникальными рисунками переплетов. Для модерна характерен целостный подход к оформлению отдельных помещений. Помимо богатого орнаментами декора и умения воплощать архитектуру в свободную композицию пространства, интересны новые сочетания объемов и динамика внутренней планировки. Так, стена-это уже не конструктивный и статичный элемент, а пластичная скульптурная форма. Потолки комнат в стиле модерн поражают своеобразием оформления. И тут уже Вам решать, что выбрать: тонкие, темного дерева балки, обрамляющие белые оштукатуренные кессоны, легкую лепнину или, может быть, гладкий окрашенный потолок с изысканной люстрой. Сейчас без труда можно подобрать светильники, имитирующие утонченную стилистику модерна, форма которых напоминает растения, а плафоны имитируют раскрывающиеся бутоны. Стены в верхней части могут быть затянуты шелком или выкрашены, в нижней монтируется дубовый или керамический цоколь. В декоре пола используются как классические приемы, например, паркет, уложенный елочкой или квадратами, так и наборный узорчатый пол, рисунок которого повторяет изгиб морской волны или переплетение стеблей полевых цветов. При выборе керамики для ванной комнаты, в качестве бордюра к однотонной плитке используется геометрический орнамент, в том числе и греческий меандр, но в характерной только для модерна прорисовке в виде спирального круглого или квадратного завитка. Отдельного внимания требует колористическое решение интерьера – необходимо воспроизвести особую цветовую гамму модерна. Цвет, рисунок, фактура материала -это те декоративные элементы, которые играют решающую роль в оформлении интерьера. Искусство модерна достаточно сильно повлияло на цветовую гамму. Очень популярна светло-зеленая гамма, где цвета разделяются на полутона: цвет стрекозы, цвет кузнечика, цвет Каспийского моря. Чрезвычайно модны лиловые оттенки: цвет пармской фиалки, фиолетовый «эскуриал», цвет гелиотропа. Используются также жемчужно- серые тона, цвета увядшей розы, для позднего модерна характерны краски осени: золото, умбра и охра. Цвета модерна будто присыпаны пеплом, что придает интерьеру неповторимый декадентский шик. В декоративном убранстве домов стиля модерн достаточно часто используются кованые вещи. Это могут быть перила, элементы мебели, решетки. Как и в других элементах интерьера модерн диктует в рисунке кованых изделий присутствие растительной темы, т.е плавные, тягучие линии, изгибы и изломы, имитирующие стебли и листья растений. На решетках и перилах расцветают лилии и нарциссы. Модерн научил украшать интерьеры цветами. Теперь они не в вазах, а на витражах, лепнине, ковке, чеканке и росписи. Иногда в интерьерах используется облицовка нижних частей стен деревянными панелями из тех же пород, что и мебель. В мебели применяют дорогие материалы и разнообразные способы и виды отделки: интарсию, окрашенную фурнитуру, перламутр, слоновую кость, металл. Мебель для интерьера модерна подобрать легко, можно найти даже прямые исторические аналоги. Современные римейки воспроизводят в своих формах работы Августа Тонета: знаменитые венские стулья прекрасно подойдут для гостиной или столовой. Корпусная мебель – различного назначения шкафы, комоды, горки – может быть прямоугольной, но с обязательными эстетическими излишествами: матовым остеклением, изящной фурнитурой. Важно, чтобы в мебельных гарнитурах и отдельных предметах преобладала плавность линий и волнистые очертания. В дизайне мебели декоративность стиля достигается в большей степени причудливостью линий, чем украшением резьбой и инкрустацией. Обои, драпировки, обивочные ткани со стилизованными изображениями цветов, камыша, лебедей, светильники, вазы, скульптуры делают интерьер чувственным и эмоционально насыщенным. Другим мощным источником вдохновения для декоратора является Восток, как эстетико-философская символическая система. Примером использования японской традиции в интерьере модерна можно считать творчество Макинтоша. Он придавал мебели формы, созвучные своей архитектуре – в ней господствуют очень элегантные сильно вытянутые вертикали, черный и белый цвета лакированного дерева скрывают естественную природную текстуру. Четкий рисунок переплетающихся под прямым углом элементов ассоциируется по своей упрощенности и контрасту черного и белого с японской графикой. Стиль, неоднократно заклейменный прежде как мещанский, декадентский и антихудожественный, сегодня вновь, как в начале 20 века, на пике популярности и коммерческого успеха. «Красота спасет мир» - эта знаменитая фраза Достоевского лежала в основе всех намерений и деклараций модерна. Не случайно именно прекрасный частный дом с продуманным интерьером, заполненным подлинно художественными вещами, стал в эпоху модерна настоящей идеей фикс. Сегодня проектирование интерьера в стиле модерн, зная пристрастие к нему клиентов, обязательно имеют в своем арсенале дизайн-студии и архитектурные бюро Alphonse Mucha

СОЦ-АРТ в большей мере воплотился в традиционной живописи, графике, скульптуре, плакате и рекламе, коллажах и инсталляциях....но думаю будет интересно про него почитать и посмотреть.. В отличие от поп-арта, явления интернационального, проявившего себя в полной мере не только в американской и западноевропейской культурах, но на другом полушарии, в корейском и в японском искусстве, стиль соц-арт обычно считается советским продуктом. В большинстве энциклопедий по современному искусству термин «соц-арт» жестко локализован рамками московского неофициального искусства 1970-1980-х годов. Действительно, соц-арт – сознательно придуманный, сконструированный в СССР стиль. Соц-арт в международном масштабе На рубеже 1970-1980-х годов соц-арт пересек границы СССР. Этому способствовала волна еврейской эмиграции, которая перенесла некоторых из крупнейших российских художников-соцартистов, в том числе и основателей движения, на Запад. Благодаря их усилиям, публикациям и выставкам, соц-арт в международном масштабе обрел статус фирменного стиля советского «нон-конформизма». Между тем, в самом СССР по мере углубления горбачевских реформ соц-арт легализуется, входит в моду, превращается в эстетический бренд Перестройки. Он прогрессивно теряет черты андерграундной культуры, разрастается в размерах, монументализируется, орнаментализируется. Его исходные приемы и художественные образы, созданные в узком интеллектуальном кругу мастеров, претерпевая многократные повторы, стилизации и отражения на различных этажах культуры, опускаются в дизайн, в архитектуру, в масс-медиа, и далее на низовой, анонимно-фольклорный, уличный уровень художественного творчества. Соц-арт в конце 1980-х годов называли «мейн-стримом» времени перемен, искусством периода крушения коммунистической формации, стилем эпохи «выцветающих флажков». В этом качестве соц-арт шагает в Европу, где в странах распадающегося «соцлагеря» обретает своих первых иностранных адептов - Е. Трушковского в Польше, Флатца - в Германии. Однак, громче всего соц-арт прозвучал на Востоке, где он оказал решающий импульс в становление нового искусства Китая 1990-х годов. Близость нового китайского искусства советскому соц-арту объясняется типологическими совпадениями - сходные режимы в аналогичных исторических обстоятельствах порождают похожее искусство. И все же в ее основе лежит знание созданных на двадцать лет раньше образцов российского стиля. Можно сказать, что китайский вариант соц-арта столь же близок советскому, как российская версия поп-арта – американской. Мировоззрение, концепция и основные приемы соц-арта Соц-арт отвергает веру во все, чего бы это ни касалось. Он стремится разрушить все культы, которые предлагаются человеку извне - политической, экономической, духовной и прочей властью; соц-арт не терпит ничего, что навязывает человеку неравноправное общение, опускает человека на колени и принуждает к подчинению. Для борьбы с культами соц-арт использует смех, лицедейство, мистификацию. Соц-артовцы предстают в гротескных и смешных ситуациях фигуры «начальников», политических вождей, духовных лидеров, выдающихся деятелей культуры и т.п. (а среди них оказываются не только большевистские вожди, но и Пушкин, Чайковский, Репин, Христос, Солженицын). Изобретатели соц-арта хорошо ощущали пустоту, лживость, лицемерие и цинизм официозного советского искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима. Свое отношение и к этому искусству, и к породившей его идеологии, они оригинально выразили, используя формы, символы, знаки, стереотипы этого искусства и политического пропагандистского инструментария. Представители соц-арта используют отдельные пространственно-композиционные, структурные, монтажные и т. п. приемы различных направлений художественного авангарда XX в. (от конструктивизма, дадаизма, реди-мейд, сюрреализма до поп-арта и постмодернизма). Соц-артисты работали во многих видах арт-деятельности — от традиционной живописи, графики, скульптуры, плаката и рекламы до коллажей, инсталляций, ассамбляжей, акций и т. п. Часто используемые приемы: во-первых, столкновение разных форм описания мира в пределах одного произведения или художественного образа как, например, в портрете Карла Маркса, выполненном Комаром и Меламидом в кубистской и соцреалистической манерах одновременно. Во-вторых, это намеренный конфликт сюжета и языка описания, когда бытовая стилистика (например, стиль резной народной богородской игрушки) применяется для создания парадных портретов советских лидеров. Хрущев в виде огромной куклы «ванька-встанька», Андропов с медленно вращающимися ушами-локаторами – эти забавные и нелепые герои-идолы, созданные Леонидом Соковым, смотрятся откровенной издевкой над их грозными прообразами. Специфический изобразительный канон соц-арта построен на автопародировании и самоопровержении. Художники соц-арта отказались от собственной цельной пластической системы, заменив ее концепциями «плохой вещи», разорванной формы. Эстетика «плохой вещи», которая со времен дадаизма, первый раз вновь появилась в русском искусстве, должна была служить указанием на разомкнутость, «дырявость» соц-артистского проекта. Художник не замыкается в собственном сочинении, а через него демонстрирует иные, чужие, внешние тексты, игрой с которыми и занимается. Часто авторский рисунок заменяется коллажем, как в «Поцелуе» Вагрича Бахчаняна, а если рисунок и существует, как в похожей работе Дмитрия Врубеля, то он намеренно нейтрализован и очищен от артистизма. Художник-соцартист выступает в произведениях не от своего имени, а вещает голосом некоего «лирического героя».

милые фотографии с мишкой))))

ар деко архитектура предметы интерьера

Стиль звезд" - Ар Деко АР ДЕКО – (франц. Art Deco) - художественный стиль в оформлении и декорировании интерьера, ювелирных украшений, дизайне одежде. В 1925 году в Париже прошла выставка "L’Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Indu-striels Modernes", именно она и дала название этому интересному стилю. 25 год - это уже полный расцвет стиля, который получил широкое распространение в 1918-1939 во Франции, многих европейских странах и в США. На самом деле Ар Деко - не совсем отдельный стиль. Его можно рассматривать как последний этап в развитии модерна. Но, несмотря на это, Ар Деко настолько оригинален и своеобразен, что заслуживает отдельного внимания. Особенность стиля в том, что в нем заключены элементы разных стилей. Этот стиль - по настоящему оценил эклектику. Собирая в себе лучшие элементы разных стилей: модерн, экзотика, конструктивизм и многих других, Ар Деко становиться уникальным стилем. Вроде бы все элементы не новы, и ничего необычного не привнесено, но в тоже время оригинально. Ар Деко можно назвать роскошью 20 века. Необычность стиля, в необычности эпохи в которую он был популярен. Время между двумя мировыми войнами - эпоха джаза, небоскребов, коротких женских стрижек, необычных костюмов и развитии индустрии "люкс". Стиль Ар Деко - не обывательский, но буржуазный. Это стиль - понятие роскоши своего времени. Интерьеры в стиле Ар Деко не создают впечатление грамотно продуманной композиции, такие интерьеры как собрание роскошных предметов интерьера, стильных вещей, которые иногда создают ощущение того что вы находитесь в гостях у коллекционера с хорошим вкусом. В этом стиле становятся популярными необычные и экзотические материалы:слоновая кость, эбеновое дерево, перламутр, бриллианты, шагреневая кожа, кожа крокодила и шкурки ящериц. Ар Деко не случайно называют стилем звезд. Самое широкое распростронение этот стиль получил именно в Америке, в Голливуде. В старых фильмах, интерьеры высшего общества оформлялись именно в стиле Ар Деко. Новая интересная находка Ар Деко, сочетание металла со стеклом. Не смотря на то ч то Ар Деко - продолжение модерна, он все же уходит от своего прародителя. Например, популярные в модерне растительные мотивы, в Ар Деко заменяются на геометрические формы и орнаменты, прямые линии, абстракция, африканские и восточные мотивы. Роскошь в Ар Деко - это не только дорогие материалы. Это еще и визуальное богатство - яркие цвета. Обычно используют больше трех цветов, что выглядит не крикливо, а очень целостно и красиво. Очень популярны черно-белые сочетания, с вкраплениями ярких цветов. В более поздних формах, стиль сближается с геометрическим конструктивизмом. Например в России, в Сталинские времена были попытки перенять некоторые основы Ар Деко. Правда это не стало течением в архитектуре, но все же некоторые образцы позднего Ар Деко есть и у нас. Например, многие станции метро в Москве и Санкт – Петербурге выполнены именно в этом стиле. Долгое время Ар Деко был практически забыт, только Америка осталась верна ему. Большинство интерьеров в американских домах создаются именно в соответствии с ним. Но последнее время, стиль набирает былую популярность. На волне популярности эклектики и Ар Деко возвращаеться. Сейчас все больше интерьеров создаеться в соответствии с "обнавленным" Ар Деко - своего рода настольгией по этому потрясающему и необычному стилю. Стилю звезд. Ар деко: от стиля к дизайну До шестидесятых об ар деко во Франции говорится как о «ретро», в Америке оно определяется как «джаз модерн» или «стримлайн модерн». Считается, что термин "ар деко" придумала Hilary Gelson, написавшая для The Times статью, озаглавленную «Ар деко» и вышедшую в свет 2 ноября 1966 года. Название отсылает нас к парижской выставке 1925 года L’Exposition des Arts Dйcoratifs et Industriels Modernes (Выставка современных декоративных и промышленных искусств), где демонстрировались последние достижения архитектуры и прикладного искусства. Выставка, отложенная из-за Первой Мировой войны на 10 лет, явила основные тенденции в изобразительном и декоративном искусстве, развивавшиеся в Европе с начала века. Там были представлены образцы ар нуво, освобожденные от витиеватых излишеств (фонтан из цветного стекла с подсветкой, работы Рене Лалика), проекты архитекторов-конструктивистов Ле Корбюзье и Малле-Стевенса, выполненные в стиле, определенном позже как «неопластицизм», а также вульгаризированные вариации на тему разработок живописного авангарда (кубизм, фовизм, супрематизм). Успех выставки 1925 года был столь мощным, что формы, показанные в павильонах, стали тиражироваться в мейнстриме, и таким образом, в «крестных отцах» ар деко оказались художники, не задержавшиеся в этом стиле, возникшем «здесь и сейчас» из остатков прошлого и знаков будущего, объединяя традицию и современность. Предметы интерьера и мебель Если одним из принципов ар нуво было иерархичный и гармонизированный сплав структурного ритма и декора, формы и материала, из которого выполнялся объект - будь то здание, стул или брошь, то стиль-преемник провозгласил независимость этих компонентов. Декору была отдана почти автономная роль. Декор был крайне персонализированным (у каждой вещи - свое лицо) и насыщенным, что часто создавало «перенаселенность» предметов в замкнутом пространстве. Автономию получили и мелкие предметы интерьера: лампа, ваза, часы, каминная решетка, обогреватель и другие бытовые вещи стали объектами моделирования. Они приобрели необычные формы, которые совершенно, на первый взгляд, не соответствовали их функции: лампы и вазы превращались в гигантские цветы, радиаторы могли быть стилизованы под массивные железные шкатулки. Мебель ар деко украшается очень дорогими материалами. Одними из первых фактуру древесины подчеркивают при помощи перламутра и слоновой кости отец и сын Жайо, чьи предметы были представлены в пяти павильонах Парижской выставки 1925 года. Тенденция ввода новых материалов - металла и пластмассы - наблюдается в работах семьи уже после 1925 года. Влияние древних цивилизаций очень характерно для предметов мебели - заимствуется не только орнамент, но и формы греческой и египетской утвари (низкие столики, полу-лежанки), а также создаются стилизации. Известнейшим примером будет шезлонг в форме каноэ работы ирландки Эйлин Грей (1878-1976). Стекло и ювелирные изделия Рене Лалик (1860-1945), один из центральных мастеров 20-30-х годов по стеклу и ювелирным изделиям, получил признание уже на Всемирной выставке в Париже 1900 года. К 1925 году его творчество эволюционировало от причудливых изящных форм к более простым геометрическим, с референцией на индейские орнаменты. Признанный ювелир рубежа двух столетий (его украшения принимали диковинные формы павлинов, морских коньков, стрекоз и даже мышей, а выполнялись из сочетаний камней со стеклом, эмалью и даже пластиком), Лалик революционализировал и стеклопроизводство; отдельные произведения были выполнены в десяти цветах и украшены эмалью. Несмотря на то, что мастерская Лалика продолжила работу после смерти своего основателя (она существует и по сей день), гравировка «R. Lalique» исчезла с изделий из стекла, равно как и некоторые изделия перестали выпускаться ввиду сложности производства. Ювелирные изделия ар деко, в большинстве сохраняют прямоугольный орнамент. При этом образуются две школы, выпускающие черно-белые и цветные украшения. В первой во всевозможных сочетаниях использовались платина, серебро, сталь, бриллианты, черный оникс; во второй - золото, янтарь, разноцветные драгоценные камни и эмаль. Мода Ключевой фигурой в мире моды того времени была даже не Коко Шанель (1883-1971), а французский дизайнер Поль Пуаре (1979-1944). Начинавший как режиссер и автор костюмов к театрально-карнавальным действам, Пуаре-кутюрье первым стал демонстрировать свои модели не на манекенах, а на девушках-манекенщицах. Его примеру последовала Коко Шанель, равно как и при выпуске знаменитых «Шанель №5». Как отдельную сферу деятельности Пуаре стоит упомянуть ковры, ткани и обои. В этой области одним из генераторов идей стал Поль Ириб - в 1908 году он разработал эскизы обоев и тканей для Пуаре. Пуаре, в свою очередь, начал сотрудничать с Раулем Дюфи и основал студию детского рисунка - произведения детей Пуаре использовал как эскизы для тканей, - которая выросла в Atelier Martine, производящее декорированный текстиль. Рисунок тканей, ковров, обоев был повторяющимся: геометрический орнамент, стилизованные фигуры людей или животных или упрощенные растительные мотивы делали платье, покрытие пола или стену весьма насыщенной, как будто живущей самостоятельно. Живопись Живописные произведения ар деко можно назвать не новаторскими, но стильными: укорененные в классической живописной традиции, они используют элементы фовизма, экспрессионизма, кубизма. Большое внимание уделяется изображению второстепенных объектов - деталей туалета, одежды, аксессуаров. Самым известным художником ар деко считается Тамара де Лемпика (1898-1980). Урожденная Мария Горская, она переехала из Польши в Россию, где жила вплоть до революции 17 года, затем в Париж, где училась у Мориса Дени. Наиболее известны портреты Т. де Лемпики: женщины в элегантных одеяниях, принявшие томные позы. Ее работы, синтезирующие салонную иконографию с элементами кубизма, легко вписывались в буржуазный антураж. В 1940-х она поселилась в Беверли Хиллз, где ее произведения пользовались большим успехом. Только в 1960-х Т. де Лемпика изменила стиль на абстракцию - изменение не прошло безболезненно для ее популярности; Лемпика дала себе обещание больше не выставлять свои произведения и последнюю часть жизни провела в Мексике. Плакат Плакат в стиле ар деко отличался большим вниманием к деталям: если предметом изображения была женщина, то тоже «декорированная» - подробно вырисовывались детали одежды, украшения, каблучки и пр., тогда как в целом линии были легкие и лаконичные. Творчество мастера плакатного жанра (а, кроме того, театрального оформителя, живописца, литографа и создателя шрифтов) Адольфа Мурона, известного как Кассандр (1901-196, - оказало влияние на всю рекламную индустрию первой половины ХХ века. Украинец по происхождению, Кассандр создал свой первый постер в 1923, а два года спустя уже завоевал первый приз за лучший плакат на парижской Выставке декоративных искусств 25 года. Кассандр, как и Эрте, некоторое время работал в США и тоже сотрудничал с Harper's Bazaar, но в 1939 вернулся во Францию и ушел в работу в сфере рекламы и театра. Архитектура Архитектура всегда является в определенном смысле проверкой стиля, она кристаллизует его недостатки или достоинства. Именно здесь неидеологичность ар деко, придающая произведениям малых форм, выполненных в этом стиле, особый шарм, сыграла свою негативную роль: основным недостатком зданий стало отсутствие цельности, единой концепции, из-за чего здания нередко «разваливались» - самостоятельность декора уже внушала опасения. Произведения зодчества вернее рассматривать в контексте особенностей позднего ар деко, которое в Европе теряет пышность и сближается с конструктивизмом, а в тоталитарных Германии, Италии и России - с классицизмом. Только Америка, несмотря ни на что, строит все новые памятники американской мечте - небоскребы. В гонке манхэттенновских высоток каждая новая в буквальном смысле соревновалась с предыдущей в высоте и декорированности. Неокубисты, примитивисты, геометристы или последователи экзотических стилей (Мексики и доколумбовой Америки) - все они рассматривались не как самостоятельные художественные единицы, а как «художники по небоскребам», создающие футуристическую архитектурную утопию, освещаемую неоновыми рекламными огнями. Квинтэссенция нью-йоркского ар деко - Chrysler Building (1928-1930), насчитывающее 77 этажей и 234 метра в высоту, выполненное архитектором Вильямом Ван Аленом для автомобильного магната Вильяма П.Крайслера. В декоре здания присутствуют даже драгоценные камни. Еще один классический пример - Empire State Building (1930-1932) архитекторов Лэмба, Шрэва и Хэймона, отвоевавшее звание самого высокого здания мира у Эйфелевой башни: 102 этажа, 381 метра высотой. Театры, мюзик-холлы, кинотеатры, отели (в Майями целая улица отелей называется «Ар деко»), крупные магазины (Bloomingdales, Tiffany, Bonwit Teller)… Они символизировали богатство, роскошь, избыток и… почему бы не счастье третьей - на западной части карты мира того времени - империи. Ар деко в наше время Взрывы популярности ар деко спустя полвека (после мебельного аукциона в Париже в ноябре 1972 года, когда цены на предметы этого стиля неожиданно взлетели вверх) и с девяностых годов, скорее всего обусловлены усталостью человека от индустриальной неволи. В то время, как ар деко наиболее ярко демонстрирует соединение искусства, роскоши и технологии. В России ар деко возрождается при тех же социологических условиях, при которых и появилось: изменение в составе элиты и вхождение в нее успешных бизнесменов, а также обилия нового противоречивого искусства, среди которого надо найти что-то спокойное и понятное. В настоящий момент нео-ар деко реализуется в проектах современных архитекторов (Д.Долгой, А.Боков), а антикварные салоны не обходятся без ар деко - последние два года оно пользуется наибольшим спросом у индивидуальных покупателей и рифмуется с модой на антиквариат 1930-х. Самой большой в России коллекцией оригинальных предметов ар деко на сегодняшний день обладает галерея «Французский дом», где собрано более 1000 уникальных предметов декоративного и прикладного искусства, скульптуры, живописи и мебели, относящихся к этому стилю.

мур_ такая серьезная на свадьбе)))) Eva12345 дочурка прелесть))) на маму очень похожа!!!!! а судьба злодейка..никогда не знаешь..что может случиться))) любовь ведь такая штука..приходит неожиданно и в самый неподходищий момент))) и я считаю,что такая девушка не может остаться в одиночестве!!!

Quote: предлагаю её составить всем форумом!!! будит личная сайта книга..... мне кстати своим ребятам она оч пригодится!!!! согласна!!! давайте сделаем))) у меня по стилям собраны картинки... и статьи....только как их упаковать?

хорошо бы)))) я тоже это слышала)) нам с мужем часто говорят,что мы как брат с сесстрой))),а меня и его младшую сестру часто путают)),со мной даже часто на улице здоровались,принимали за нее :!:

да..нелегко им приходится....мужьям 3дэшниц)))много жертв))) например: к компьютеру не подобраться))) я вот оба 2 занимаю))))

посмотрела в инете интерьерчики этого отеля(пишут,что стиль модерн) но на мой взгляд не очень то на модерн похоже))) лишь отдельные его части и элементы

Желаю,чтобы идеи приходили именно в тот момент,когда их так ждешь)))) а не ночью перед сдачей проекта!!!! Всех с праздником :!: :!: :!:

letitbit.net a-starmer-color.rar.html народ a-starmer-color.rar.html Вес 4 Mb

наши киськи)))

:!:

:!:

:!:

http://3ddd.ru/modules/phpBB2/viewtopic.php?t=3940&postdays=0&postorder=asc&&start=0&sid=d23dc2d0ce565aec86191fc57e64e552 здесь писали про то как сделать глянцевый паркет,посмотри,может что-то для себя найдешь

обьясните незнайке что это за Авард такой????